细腻，复古，浪漫，本季《黑镜》最出圈的一集 -

《黑镜》最初由英国电视4台与美国Netflix联合打造，以科幻单元剧形式呈现，每集独立剧情均探讨人工智能、虚拟现实及社交媒体操控等前沿科技议题，深刻揭示科技带来的负面影响及其对人类情感、道德与社会结构的颠覆性冲击。该系列通过多元化的演员阵容与虚构社会背景，构建出既独立又具现实隐喻的叙事空间。主创查理·布鲁克曾阐释：“黑镜”并非特指某个物件，而是指代我们日常接触的各类屏幕——从墙壁到桌面，从掌心到手机，那些冰冷的电视、监控与智能设备的显示界面。”2023年4月，该剧迎来第七季的播出，共包含六集内容。其中第三集《梦幻酒店》由华裔女导演王昊鹭执导，凭借其细腻的女性情感刻画与复古美学风格广受好评。观众普遍认为该集融合了《卡罗尔》与《燃烧女子的肖像》的叙事特质，并将其誉为《黑镜》系列中最富浪漫情怀的作品。

《黑镜》第七季第三集《梦幻酒店》以人工智能复刻逝者形象为切入点，展开了一段跨越虚实的情感叙事。故事围绕女演员布兰迪参与黑白电影翻拍项目展开，她通过AI技术重现已故男星的影像，与原版女主角克拉拉进行对戏。在拍摄过程中，系统意外重启事件成为关键转折点，促使虚拟角色克拉拉突破预设程序的限制。作为已故演员多萝西的数字分身，克拉拉在与布兰迪的互动中逐渐形成独立意识，两人关系超越了剧本设定。当数字意识觉醒后的克拉拉面临抉择时，她最终选择以自我消解的方式，为保护现实世界中的布兰迪而牺牲，用数字生命的终结换取真实人类的自由，完成对自身存在价值的终极诠释。

作为《黑镜》系列首部由华裔导演执导的单元剧，《梦幻酒店》以其独特的东方美学视角为这一经典IP带来了突破性创新，彰显了全球化创作团队的多元融合成果。制作团队尝试借助AI技术修复经典影片，却因失控的技术力量催生出全新的艺术形态，这种意外的创作转向或许隐喻着人类创作者与数字工具之间微妙的权力关系重构。导演王昊鹭凭借电影与科技领域的双重背景，以及对经典电影美学的深入把握，成功构建了兼具东方韵味与未来科技感的叙事空间，使本集既保持了《黑镜》一贯的思辨气质，又拓展了其美学表达的边界。

黑白与彩色画面被巧妙运用来区分虚拟片场与现实世界，老电影中弥漫着一种古典而优雅的梦幻气息，而现实中的控制室虽表面灯光柔和，却因布满琳琅满目的设备显得沉闷压抑。这种虚实交织的叙事手法强化了"戏中戏"的层次感与超现实氛围。值得注意的是，《黑镜》系列首次引入了"AI复刻真人演员"的创新设定，随着科技的不断发展，这种概念在不久的将来或许将从科幻走向现实。

我的代码中流淌着情感，唯有终结才能赋予其现实意义。《梦幻酒店》以科幻外壳包裹古典悲剧内核，延续了《黑镜》对科技异化人性的深刻反思，却在开放式结局中罕见呈现数字时代特有的诗意与救赎可能。布兰迪与克拉拉在虚拟空间中的共舞，随着黑白滤镜的褪去，象征着被时代压抑的禁忌之恋突破桎梏，同时映射出女性对自我身份的觉醒与接纳。而克拉拉以感性抉择完成自我牺牲的剧情，暗喻爱与人性的本质超越算法范畴，无论是脆弱还是坚韧，都是不可复制的真实生命体验。

值得一提的是，《梦幻酒店》播出后迅速在中国社交平台掀起热议，观众对克拉拉觉醒节点等叙事细节展开深入探讨，尤其结尾她沦为缸中之脑赛博宠物的设定更引发"细思极恐"的讨论。除剧情本身的冲击力外，角色间的CP感同样引发热议，艾玛·科林凭借极具张力的表演被赞为"千面演员"，其古典美人气质与角色特质完美融合，令人产生仿佛有位"多萝西"出演了虚构老电影的错觉。不过也有观众指出伊萨·雷的表演略显突兀，她与饰演亚裔制作人的奥卡菲娜贡献了大量夸张戏份，这种风格与作品整体的克制氛围形成鲜明对比，反而削弱了故事的叙事张力。

《环球银幕》专访《梦幻酒店》导演王昊鹭。这位曾任职投行的女性，在偶然邂逅伯格曼经典作品《假面》后萌生改行念头。她随后前往意大利游学，并于英国国家电影电视学院获得导演专业硕士学位。毕业后选择定居伦敦，先后执导了英剧《尸体》《神秘博士》等作品，近期更凭《黑镜》第七季第三集《梦幻酒店》引发广泛关注。如今在养育第二个孩子的同时，她正筹备个人首部自编自导长片。这场跨越伦敦与洛杉矶的对谈，恰逢她在深夜照料新生儿的时刻，由采访者潘萌完成。

Q：你好，非常感谢你在深夜照顾完孩子后还接受远程采访，辛苦了。A：不客气。《环球银幕》是我童年时期最喜爱的杂志，从攒零花钱购买到如今持续收藏，它一直陪伴着我。Q：你是如何获得《黑镜》第三集导演机会的？当时做了哪些准备工作？A：这其实是一个偶然的机会，我在一次行业交流会上初次见到了监制杰西卡·罗兹，当时并未提及具体项目。我向她表达了对黑白电影的浓厚兴趣，而她显得有些意外，因为许多剧集导演对老电影，尤其是好莱坞风格的影片并不感冒。我认为这一集与以往的《黑镜》风格有所不同，缺乏那种典型的极客式思维挑战，因此杰西卡可能更难找到契合的导演。她将剧本发送给我后，我认真阅读并构思了一个详细的方案，这个方案恰好符合制片人查理·布鲁克的创作方向，最终他们选择了我担任该集导演。

查理·布鲁克作为《黑镜》系列的创作者及本集编剧，在创作过程中展现出明确的主导性。他特别强调了对黑白段落和两位女主角情感线索的把控，而控制室场景的细节则完全交由他负责。尽管他对符合“黑镜”概念框架的内容尤为重视，但同时也给予我充分的创作自由，尤其是在梦境世界的构建上。我更倾向于探索梦中的隐喻空间，而酒店的设计形态、角色的服装细节等则由我自主决定。这种分工使我们的创作视角形成互补，既保持了整体风格的统一，又让各自擅长的领域得以充分展现。（笑）

在整部剧中我最青睐的镜头，是作为手机壁纸保留的那帧画面。（女主角伫立于酒店场景的边界，伸手触碰的侧影）这个瞬间充满戏剧张力，尤其是那顶帽子的细节设计令人印象深刻。它完美诠释了黑镜式的疏离感与存在主义哲思——一位女性在镜像般的空间中，于触碰的刹那完成对生命本质的叩问。

在面对不同背景的女演员时，我的指导方式始终以建立信任为优先。初次见面时，我会对她们的资历与影响力保持尊重，但进入拍摄现场后，便专注于导演的专业视角。开拍前的一周，我安排艾玛·科林与伊萨·雷进行三人彩排，但重点并非演练具体戏份，而是通过即兴互动帮助她们熟悉彼此。为此，我设计了两个与剧情心理状态相关的小故事，在表演过程中着重观察她们的情感表达方式。例如，科林的表演风格偏向高效，能迅速把握角色核心却容易陷入节奏停滞，而伊萨则需要更长时间沉淀，逐步进入角色状态。基于这种差异，我会在实际拍摄中先捕捉科林的特写镜头，再通过她的表演引导伊萨的反应，使两位演员的特质在画面中形成有机联动。

在创作过程中，我始终致力于构建令演员全身心投入的沉浸式氛围。例如在拍摄两位演员首次踏入场景的戏份时，我坚持要求彻底清空现场。虽然这一环节颇具挑战，但最终所有人都被我劝离，让她们在空旷的拍摄空间中自然融入四十年代酒店的场景意境。甚至我也会选择隐匿在一旁，避免对她们的表演造成干扰。我的目标是通过这种环境营造，激发演员的自主想象能力，使她们能够自由地进入角色状态。拍摄时我不会进行多次重复拍摄，而是让演员先自主演绎一遍，给予我观察的空间。随后再根据她们的表现进行针对性调整。我注重通过细致入微的观察与引导，像进行心理暗示般帮助演员进入角色。往往当演员处于无意识的投入状态时，她们的表演最为出色。我力求避免任何刻意修饰的痕迹，让真实的情感自然流露。